首先进到展厅看展览的时候，很容易感觉到蔡小华先生作品的制作很精良，很考究，用皮道坚老师的话说，的确是非常“充实”的感觉，能看出蔡先生一方面在画面上下了很多工夫，另一方面在画外也下了很多工夫。目前创作抽象的群体，可能有的人在画外下工夫多，在画面上下工夫少；有的人在画面上下工夫多，画外下工夫少一点，蔡先生给我的感觉是画内、画外都下了不少工夫。

　　第二个感觉我和林小姐和郑工老师有类似的感觉，的确画册和原作不是一回事。为什么不是一回事？之前我在网络上和画册上看到蔡先生的作品，媒介传播让我们对蔡先生作品的焦点更加集中在颜色上，我想这个恰恰不是蔡小华先生比较关键的一个点。皮道坚老师讲得很清晰，认为蔡先生的“色调的创造”有很强的个人特点，很异化，有创造性。蔡先生一方面是通过颜色的丰富性调节自己的创作，以便让他单个的系列更加丰富，但是我想这不是他真正的目标。媒介的传播，使我们对他作品的关注偏离了焦点，今天看到现场的作品，更加集中在蔡小华作品的质感，尤其是颗粒感，这是蔡先生最有作为可能性的领域。

　　第三点提一点意见，看了这个展览之后，我觉得渐变类的作品并不适合并列性的展出，把很多渐变类的作品并列在一面墙上展出，削弱了单张作品的力量。远看和近距离看某一个单张作品的时候，力量已经足够了，放在一起会互相影响，并且又把我们的注意力拉回到形式变化的层面，我想蔡先生不用花那么多的精力在形式的变化上，我倾向于更加整体性、非渐变性的作品。这种作品精彩之处在什么地方？在这样的作品中，笔触、布局和画面的结构不再是蔡先生考虑的重点，也就是说，他可以从画面的布局和画面的结构中解放出来，然后把他真正的精力放在“质感”、“大颗粒”的营建上面，这才是关键。

　　贾廷峰先生刚才提到了上次展览的概念非常好，“呼吸”的确非常透气，蔡小华的绘画中除了夏可君先生提到的“虚薄”的概念，也有夏可君兄经常提到的“坚实性”，呼吸让作品更加透气，这让我想到一个人，从概念上有一定相关性是韩国/日本的李禹焕，李禹焕有一个概念，他说他自己每一笔在画布上停留时间非常缓慢，犹如自己的一呼一吸，恰恰与蔡先生的作品有相关性。李禹焕的作品更加讲究笔触的布局，以及笔触图绘区域和未图绘区域两者之间的关系。

　　另外对于抽象理论我最近有一个看法，前两天我看到一本艺术杂志的专栏作家谈到中国抽象目前的状况，他的理论我觉得有一些问题，他认为梁绍基和李华生反映了中国传统理念中存天理、灭人欲的概念，我不是特别认同，觉得不准确，还是要长期跟踪个案的研究，从长期的个案里面才能够真正生发一些好的概念的总结出来，才能对抽象理论的发展有益。经由蔡先生的作品引发出来的对抽象的认识大致是这样。谢谢！